Палитра ушедшей эпохи. Живопись

Ефим Дешалыт. Панорама Москвы. 1977

17 — 28 мая
Галерея на Солянке
Ежедневно, кроме пн 12.00 — 20.00

Выставка представляет работы шести художников советского периода, очень разных, каждого со своей сложившейся манерой письма. Никого из них сейчас нет в живых, а их живопись уже стала частью истории русского изобразительного искусства.

Зинаида Аничкова-Сапожкова (1886-к.1970 н.1980)
Вениамин Сафонов (1921-2004)
Юрий Дарий (1932-2001)
Анатолий Талалаев (1929-1989)
Андрей Овчаров (1926-1994)
Ефим Дешалыт (1921-1996)

Даже самая беспощадная к творчеству эпоха не может воспрепятствовать свободе самовыражения, духовным поискам, а значит – образам подлинного искусства. Отгороженная частоколом запретов подцензурная зона, в которую превратилась социалистическая Россия — не исключение. Преодолевая бескрылость официально утвержденных границ социалистического реализма, художники находили темы, образы, в которых сиюминутное превращалось в вечность. Одни – деля себя между госзаказом и работой для души, «в стол», другие – в русле разрешенных тенденций воплощая размышления о судьбах мира, которые далеко не всегда совпадали с государственной идеологией, третьи – отказываясь от компромиссов и, без надежд на признание, полностью отдавшие себя духовному поиску.

Они — дети оттепели, в которой им почудилось дыхание весны, пробуждение надежд. Звон капели отозвался на их полотнах засверкавшими красками оттаявшей палитры. И даже наступившие вскоре заморозки не смогли их погасить.

Они не принадлежали к авангарду, не ломали каноны реализма, не шли напролом.

Неповторимость голосов пронизывает картины, написанные подчас на вполне обыденные, привычные сюжеты. Но, всматриваясь в их полотна, столь разные по стилю, манере, трактовке одних и тех же событий, видишь не просто ретроспективу, а грандиозную панораму жизни. Вчерашней жизни, стремительно уходящей в историю. И, кажется, наступил тот момент, когда нужно оглянуться, отметив не только пропасти и вершины былого, но и весь культурный ландшафт эпохи. Увидеть дороги, ведущие в будущее.

Темой выставки стало творчество художников 50-х – 80-х годов ХХ столетия, их судьбы, попытки тем или иным способом вырваться из плена своего времени. Объединяя в настоящей выставке несколько имен – частью – известных, частью – полузабытых, представить исторические события в индивидуальном восприятии каждого из них. Идея выставки – проникновение в суть эпохи, запечатленной современниками.

Зинаида Аничкова-Сапожкова
В отличие от других пяти участников ее творчество растянулось почти на весь прошлый век. Выставленные произведения художници написаны в 20-30-е годы. Это этюды натурщиц и женские портреты. В них она проявляет себя как выдающийся мастер портрета. Каждая обнажённая натурщица наделена у неё индивидуальной неповторимостью характера. Портреты отмечены печатью времени. Живописная манера запоминается с первого взгляда. Два противоположных начала соединяются в ней – строгая лепка формы и изысканная красота цвета. В этом внутреннем противостоянии волевого творческого темперамента и мягкой женственной натуры художницы заключается секрет своеобразия десяти картин, представленных на выставке.

Живопись Вениамина Сафонова несёт в себе характерный для его времени, новый взгляд и на деревню и на природу. Красотой русской природы он пленён с детства, но идиллически относиться к ней во второй половине ХХ века уже не может. Для художника, сформировавшегося в пору «сурового стиля», пейзаж – это каменистая почва, дорога с ухабами и с разорённым храмом на обочине, бедные покосившиеся избы, чьё убожество рядом с цветущими яблонями не зовёт к сочувствию, а просто утверждает: так было в России всегда. Чувство времени в пейзажах В.Сафонова передаётся не обязательно с помощью сюжетных мотивов, но и посредством художественной формы. Он утяжеляет цвет, не легка и не изящна подвижность его мазка. Тягучий и неторопливый ход кисти, как бы свидетельствует, что мир русского пейзажа полон глубинных вековых противоречий. Выходец из крестьянской среды, В.Сафонов был генетически наделён специфическим крестьянским отношением к земле. Земля и является главным предметом, главным героем его живописи. Именно подход к изображению земли определяет характерный настрой каждой его картины. Он отражает такие нюансы в её состоянии, которые непонятны взгляду горожанина. Художник никогда прямо не изображал исторические, общественные события, которые ему пришлось пережить. Ему было достаточно показать забитые досками окна брошенной избы, пеньки безжалостно срубленных деревьев или весеннюю глинистую проталину, чтобы наполнить живопись ощущениями напряжённых жизненных противостояний.

Юрий Дарий пожалуй самый известный из представленных на выставке художников. Он закончил Репинский институт в Ленинграде, одна из его картин представлена в постоянной экспозиции советского искусства в Русском музее. Изображения его картин нередко появлялись в советской печати. Его произведения недёшевы на рынке, их активно скупают коллекционеры и уже нелегко отыскать.

Это художник большого темперамента, каждый его мазок излучает энергию. Он схватывал всё на лету .В живописи он воспевал то, что видел, не отягощая натурный жизненный мотив дополнительными сюжетными ходами. Его холсты, неровные, принадлежащие разным жанрам, исполненные в различных манерах, удивляют разносторонностью интересов и расточительностью, с которой он использовал свой талант.

Свободная живописная импровизация была сильной стороной большого таланта Ю.Дария. Она проявляется в большинстве работ художника. Причём независимо от темы. Это может быть и красивый морской пейзаж, и строительный котлован, об эстетических качествах которого зритель без помощи художника ни за что бы и не догадался. Импровизирует он, изображая спящего в коляске малыша, или открытие Олимпиады в Лужниках в 1980 году.

Анатолий Талалаев закончил Московское областное художественно-педагогическое училище Памяти 1905 года, где учился у знаменитого русского пейзажиста В.Н.Бакшеева. А.Талалаев всю жизнь проработал в русле реалистической пейзажной живописи. Воспитываясь на музейных шедеврах А.Саврасова, И.Левитана, В.Поленова, он увлёкся их проникновенными, лирическими подходами к природе. Стремление не столько и не только верно отразить время года, свето-воздушную среду, сколько наделить природу духовным содержанием, — - в этом глубинный смысл традиционной русской пейзажной живописи. Уроки верности традиции он воспринял из первых рук. Сам В.Бакшеев являлся классиком русского лирического пейзажа, которому в свою очередь выпала честь учиться у А.Саврасова и В.Поленова.

Большинство своих произведений художник написал в подмосковном Реутове в своей мастерской, располагавшейся в маленьком деревянном, одиноко стоящем, одноэтажном домике, окружённом кустами цветущей сирени. Сама лирическая камерность пейзажей А.Талалаева, предполагает, что вот так, в одиночестве, интимно и могли они создаваться. Не натурные впечатления доминируют в его работах, преобладают мысли и ощущения, родившиеся в тиши мастерской. Этюд лишь средство, для их наиболее адекватного выражения с помощью красок.

Андрей Овчаров – художник светлого мироощущения. Большинство его картин изображает радостные счастливые минуты в жизни человека. Он любит изображать возвращение домой после дальней поездки, тихие прогулки на природе, мягко светящиеся в сумерках окна родного дома. Его пейзажи всегда подчёркнуто красивы и нарядны. И называет он их «Зимняя сказка», «Осень золотая», «Радостный день». Рядом с картинами А.Овчарова зритель испытывает душевный покой. Художник как бы говорит: «в жизни и так много печалей, пусть хоть живопись уставшего человека порадует».

А.Овчаров на протяжении всей своей творческой жизни был открыт для восприятия разнообразных влияний. Художник часто как бы примеряет на свои картины художественную форму разных направлений и разных живописцев. Делает это не скрывая, не подделываясь под того или иного автора. Он сознательно сохраняет композиционные приёмы, сюжетную интерпретацию и просто узнаваемость «цитируемого» произведения. Так в картине «Деревенская церковь» ясно читаются размышления художника о творчестве М.Нестерова, в картине «Весна» узнаётся «Февральская лазурь» И.Грабаря. Глубокое уважение, искреннее восхищение, с которыми А.Овчаров относится к искусству мастеров прошлого, не делает его собственные произведения вторичными. Полнота чувств, простодушный романтизм, наполняющие все без исключения произведения художника придают им неповторимое своеобразие.

Ефим Дешалыт — - единственный на этой выставке художник, большую часть своей творческой жизни посвятивший официальным заказам. Но не веет холодным официозом от его произведений. «Железобетонная» сталинская однозначность в 1960-70-е годы медленно, но верно отступала в прошлое.

Войну Е.Дешалыт встретил уже взрослым человеком, студентом Всесоюзного государственного института кинематографии. Был добровольцем в московском народном ополчении. В военные годы работал на киностудии, награждён медалью «За оборону Москвы». Как художник-постановщик Е.Дешалыт участвовал в создании более двух десятков научно-популярных фильмов. Но широкую известность ему принесли диорамы. Его называли «советским Рубо». Действительно, мастерство, с которым выполнены его диорамы, вызывает изумление и восторг зрителей. Он сумел соединить пространственное мышление художника-кинематографиста с высоким живописным мастерством. Прежде, чем начать непосредственно создание той или иной диорамы, художник писал станковые картины на ту же тему, которые одновременно являлись эскизами. Так в 1987 году в Музее 1812 года г. Малоярославца Е.Дешалыт открыл диораму «Сражение за Малоярославец в октябре 1812 года».

Конечно, официальные заказы отнимали большую часть творческого времени художника. Пейзажи, натюрморты, портреты, принадлежащие кисти Е.Дешалыта, заставляют сожалеть о их немногочисленности. Е.Дешалыт прекрасный тонкий колорист. Его «Штурм Зимнего» или «Восстание на Красной Пресне» так же красивы в цвете, как и его итальянские пейзажи, или крымские виды.

Е.Дешалыту принадлежит знаменитая панорама «Москва — - столица СССР», исполненная им в 1976-77 годах для выставки в Лос-Анджелесе. Этому уникальному «изобразительному спектаклю» рукоплескали зрители многих стран. Паралельно художник написал несколько крупных станковых произведений, посвящённых столице. Сегодня эти произведения представляют огромный исторический и художественный интерес. Е.Дешалыт запечатлел Москву 1970-х годов. Многих архитектурных памятников уже нет. Бездумно и безжалостно снесённые, они остались только на картинах, изображённые с присущей художнику точностью. Но самое главное, в его произведениях воплощен, можно сказать, «законсервирован» жизненный уклад, дух той, советской Москвы. Московскими картинами Е.Дешалыта можно ностальгически упиваться, по ним можно изучать историю столицы, им нужно воздать должное и как произведениям искусства.

 
Юрий Дарий. В студенческом общежитии. 1970-е гг.
Юрий Дарий. В студенческом общежитии. 1970-е гг.
Юрий Дарий. Рабочий. 1959
Юрий Дарий. Рабочий. 1959
Анатолий Талалаев. Перед боем. 1983
Анатолий Талалаев. Перед боем. 1983
Анатолий Талалаев.  Дома. 1962
Анатолий Талалаев. Дома. 1962
Анатолий Талалаев.  Банька. 1975
Анатолий Талалаев. Банька. 1975
Анатолий Талалаев. Обнаженная. 1955
Анатолий Талалаев. Обнаженная. 1955
 Вениамин  Сафонов. Городской пейзаж. 1962
Вениамин Сафонов. Городской пейзаж. 1962
Вениамин  Сафонов. Улочка. Подольск. 1971
Вениамин Сафонов. Улочка. Подольск. 1971
Журнал «Русское искусство»

1923 – Журнал «Русское Искусство» в 1923 году

№ 1/2004 – «Союз русских художников»

№ 2/2004 – «Санкт-Петербург»

№ 3/2004 – «Коллекции русского искусства за рубежом»

№ 4/2004 – «Графика в музеях и частных коллекциях России»

№ 1/2005 – «Москва художественная»

№ 2/2005 – «Открытия в искусстве и искусствознании»

№ 3/2005 – «Русская Швейцария»

№ 4/2005– «Ратная слава России»

№ 1/2006– «Встреча искусств»

№ 2/2006– «Русская провинция»

№ 3/2006– «Искусство императорского двора»

№ 4/2006 – «Жизнь художника как произведение искусства»

№ 1/2007 – «Коллекционеры и благотворители»

№ 2/2007 – «Почтовые миниатюры: марка и открытка в художественном пространстве»

№ 3/2007 – «Россия — Германия. Диалог культур»

№ 4/2007 – «Изящные искусства и словесность»

№ 1/2008 – «Семья Третьяковых. Жизнь в искусстве»

№ 2/2008 – «Впервые – через 85 лет – публикация I номера журнала «Русское Искусство» за 1923 год»

№ 3/2008 – «Художественное наследие 60-х годов ХХ века»

№ 4/2008 – «Сенсации в искусстве. Открытия. Гипотезы»

№ 1/2009 – «Русская икона»

№ 2/2009 – Переиздание сдвоенного (II и III номеров) выпуска «Русского искусства» 1923 года