Продажи на торгах Christie’s в Лондоне. Новый ценовой рекорд на полотно категории «Послевоенное искусство»

Продажи на торгах Christie’s в Лондоне. Новый ценовой рекорд на полотно категории «Послевоенное искусство»

6 февраля, вечерняя сессия
Общий итог продаж $143,089,641

ПРОДАЖИ НА ТОРГАХ CHRISTIE’S В РАЗДЕЛЕ «ПОСЛЕВОЕННОЕ И СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО» СОСТАВИЛИ $143 МИЛЛИОНА.

- Этот показатель является вторым по величине для аукциона данной категории
- Ценовые рекорды были установлены на полотна следующих художников: Герхард Рихтер, Лючио Фонтана и Бриджет Райли
- Аукционный дом Christie’s по-прежнему лидирует на рынке современного искусства

6 февраля, «Триптих 1974-77» Фрэнсиса Бэкона (1909-1992) был продан за $51.7 миллион, став, таким образом, самым дорогим произведением искусства, которое когда-либо было продано на аукционе Christie’s в Лондоне, а также самым дорогим полотном в разделе «Послевоенное и современное искусство», когда-либо проданным в Европе.

Продажи на вечерних торгах Christie’s в категории «Послевоенное и современное искусство» составили $143,089,641. Было продано 69% от общего количества представленных лотов. На полотна 4 художников были установлены ценовые рекорды. 57% покупателей были из Европы, 43% — граждани США.

«Продажей «Триптиха 1974-77» Фрэнсиса Бэкона аукционный дом Christie’s установил новый ценовой рекорд на полотно категории «Послевоенное искусство», которое когда-либо было продано в Европе». Такую оценку торгам дала Пилар Ордовас, директор отделения современного искусства Christie's. «На протяжении всего аукциона мы наблюдали за поразительной активностью, с которой в торгах принимали участие представители США. Christie’s представил вниманию участников торгов работы самого высокого качества, результатом чего стал второй по величине ценовой рекорд для аукциона данной категории».

«Триптих 1974-77» был предоставлен на аукцион из частного собрания (на торги он ранее не выставлялся) и является последним произведением Бэкона в серии картин, написанных им под влиянием трагической гибели его любовника Джорджа Даера, умершего в 1971 году. Многие из работ художника, написанных после этого события – по мнению критиков, эти именно эти работы являются пиком творчества Бэкона – были написаны в память о Даере. Бэкон начал работу над триптихом в 1974 году, но после выставки 1975 года в музее Метрополитен в Нью-Йорке внес в него некоторые изменения.

Среди других топ-лотов на аукционе Christie’s была представлена работа Герхарда Рихтера (родился в 1932) под названием «Две влюбленные пары» (1966). Она была продана за $14,323,581, установив новый ценовой рекорд на произведение данного художника. Написанное во время активного участия художника в движении поп-арта, полотно было приобретено у Рихтера матерью настоящего владельца. Впоследствии оно на протяжении долгого времени находилось в собственности галереи «Städtische Galerie im Lenbachhaus» в Мюнхене в качестве заёма.

Монументальное полотно Лючио Фонтана (1899-1968) под названием «Пространственный концепт» (1965), было продано за $13,224,861, установив ценовой рекорд на произвдения художника

Полотно Жана-Мишеля Баскья (1960-1988) «Прыжок Палм-Спрингз», 1982 – потрясающая воображение работа, написанная в период, когда художник только начал приобретать «звёздный» статус – было продано за $12,785,373.

Еще один ценовой рекорд был установлен на картину английской художницы Бриджит Райли «Static 2». Картина ушла с молотка за $2,896,893, и была приобретена покупателем, пожелавшим остаться неизвестным.

Топ-лоты аукциона «Послевоенное и современное искусство» Christie’s в Лондоне

1. Френсис Бэкон (1909-1992), «Триптих 1974-1977», 1977 год,
продано за $51,680,061

2. Герхард Рихтер (род. 1932), «Две любовные пары», 1966 год,
продано за $14,323,581, МИРОВОЙ РЕКОРД СТОИМОСТИ ДЛЯ ПРОИЗВЕДЕНИЙ ДАННОГО ХУДОЖНИКА

3. Лючио Фонтана (1899-1968), «Пространственный концепт. Ожидание», 1965
год, продано за $13,224,861 МИРОВОЙ РЕКОРД СТОИМОСТИ ДЛЯ ПРОИЗВЕДЕНИЙ ДАННОГО ХУДОЖНИКА

4. Жан-Мишель Баскья (1960-1988), «Прыжок Пальм Спрингс», 1982 год,
продано за $12,785,373

5. Сай Твомбли (род. 1928), «Без названия (Рим), 1958 год,
продано за $7,731,261

6. Энди Уорхол (1928-1987), «Джуди Гарланд», около 1979 года, продано за $4,215,357

7. Ричард Принс (род. 1949), «Поселковая медсестра», 2003 год,
продано за $4,215,357

8. Эд Руша (род. 1937), «Гора», 1998 год,
продано за $3,006,765

9. Бриджит Райли (род. 1931), «Static 2», 1966 год, продано за $2,896,893
МИРОВОЙ РЕКОРД СТОИМОСТИ ДЛЯ ПРОИЗВЕДЕНИЙ ДАННОГО ХУДОЖНИКА

10. Ив Кляйн (1928-1962), «IKB 93», 1961 год,
продано за $2,677,149

Лючио Фонтана

(из книги «Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму», А.Обухова, М.Орлова, М., 2001)

К середине 1950-х годов многие художники в Америке и в Европе одновременно и независимо друг от друга приходят к идее монохромной живописи. В 1960 году в немецком городе Леверкузене состоялась выставка «Монохром», продемонстрировавшая очередной этап очищения «картины». Среди участников были американцы Эд Рейнхардт, Роберт Раушенберг, Фрэнк Стелла, француз Ив Клейн (Кляйн), итальянцы Пьеро Манзони и Лючио Фонтана, немецкая группа «Зеро».

Для Лючио Фонтана монохром был одним из способов создать пространство. Он считал, что любое произведение искусства – это прежде всего «создание пространства». Свои работы он называл «пространственными концепциями», не делая различия между живописью и скульптурой. Под влиянием Фонтана в Италии возникло движение «спациализм» (от итальянского Spazio – пространство). Поскольку живопись – это всегда плоскость, она вступает в конфликт с пространством – пространство прокалывает, «ранит» картину. Чтобы изменить отношение к пространству, необходим жест, разрушающий форму. Этот жест предполагает действие, производимое над плоскостью в живописи и объемом в скульптуре, которое прояснит взаимоотношения между внешним и внутренним, передним и задним планом (а также между тем, что перед картиной, что на ней и что сзади нее), создавая непрерывность пространства по отношению к плоскости и объему. Зритель отождествляет картину с ее лицевой стороной. Произведения Фонтана направлены на то, чтобы разрушить эту фатальную фронтальность, позволить зрителю войти «внутрь» произведения.

В 1948 году Фонтана создает первое «амбиент-пространство» — - освещает пустое пространство галереи дель Наиво в Милане ультрафиолетовым светом. В последующие двадцать лет он продолжает эту серию, полностью закрашивая залы галерей черным цветом, отождествляя таким образом понятие картины с реальным физическим пространством. Однако настоящую славу Фонтана принесли серии холстов с дырами и разрезами, которые он начал делать в 1950-е годы. Эти разрывы позволяют зрителю в буквальном смысле слова проникнуть в картину. Разрушая холст (традиционную основу живописи) Фонтана подчеркивает условность, иллюзорность любого изображения.

Герхард Рихтер

(Из книги «Живопись без границ. От поп-арта к концептуализму», А.Обухова, М.Орлова, М., 2001)

Творчеству Герхарда Рихтера, одного из крупнейших представителей европейской послевоенной живописи, отчасти близки идеи гиперреализма. Рихтер поставил глобальную задачу – реконструировать живопись с помощью фотографии, решить проблему – как остаться живописцем, не делая живописи в традиционном смысле слова.

Рихтер, получивший в Дрезденской академии художеств классическое живописное образование, не отказывается от живописи, но пытается переосмыслить ее роль в современном искусстве. Чтобы выявить новые образные ресурсы живописи, он обращается к фотографии – любительским снимкам, газетным и журнальным иллюстрациям. По словам Рихтера, он не использовал фото как вспомогательное средство для живописи, наоборот – использовал живопись в помощь фотографии, как если бы она была живой натурой. «Я считаю, что многие любительские фотографии гораздо лучше картин Сезанна. В общем, это не просто вопрос о живописи и хороших картинах, потому что живопись – это моральный акт», — утверждает Рихтер.

Рихтер вносит «коррективы» в спроецированные на холст фото – замазывает часть изображения, разрывает холст. Изображения становятся нечеткими, размытыми, иногда – почти абстрактными. Его живопись «честно» изображает разного рода визуальные помехи, барьер, мешающий непосредственному восприятию натуры: некачественные фотоотпечатки с нерезким фокусом, сетки и рябь телевизионной картинки, огрехи дешевой полиграфии.

Рихтеру не безразлично содержание его работ. По его словам, он искал «стилистически не оккупированную территорию» темы и сюжеты, еще не вошедшие в художественный оборот. Центральной в его творчестве становится тема смерти. На протяжении своей профессиональной карьеры Герхард Рихтер обращался к самым разным изобразительным системам – к минимализму (серии «цветовых таблиц»), гиперреализму, классическому пейзажу, абстрактному экспрессионизму. В своем творчестве Рихтер снимает казавшееся столь фундаментальным для истории искусства ХХ века противостояние фигуративного и беспредметного искусства, реализма и модернизма, фотографии и живописи, рассматривая их как разные варианты единой традиции и считая себя ее наследником.

 
Журнал «Русское искусство»

1923 – Журнал «Русское Искусство» в 1923 году

№ 1/2004 – «Союз русских художников»

№ 2/2004 – «Санкт-Петербург»

№ 3/2004 – «Коллекции русского искусства за рубежом»

№ 4/2004 – «Графика в музеях и частных коллекциях России»

№ 1/2005 – «Москва художественная»

№ 2/2005 – «Открытия в искусстве и искусствознании»

№ 3/2005 – «Русская Швейцария»

№ 4/2005– «Ратная слава России»

№ 1/2006– «Встреча искусств»

№ 2/2006– «Русская провинция»

№ 3/2006– «Искусство императорского двора»

№ 4/2006 – «Жизнь художника как произведение искусства»

№ 1/2007 – «Коллекционеры и благотворители»

№ 2/2007 – «Почтовые миниатюры: марка и открытка в художественном пространстве»

№ 3/2007 – «Россия — Германия. Диалог культур»

№ 4/2007 – «Изящные искусства и словесность»

№ 1/2008 – «Семья Третьяковых. Жизнь в искусстве»

№ 2/2008 – «Впервые – через 85 лет – публикация I номера журнала «Русское Искусство» за 1923 год»

№ 3/2008 – «Художественное наследие 60-х годов ХХ века»

№ 4/2008 – «Сенсации в искусстве. Открытия. Гипотезы»

№ 1/2009 – «Русская икона»

№ 2/2009 – Переиздание сдвоенного (II и III номеров) выпуска «Русского искусства» 1923 года